这是一套赏析世界著名画家代表作品的艺术普及读物。本书收录了康定斯基（Kandinsky）的60余幅作品。康定斯基于1866年出生于俄国，被称为“抽象艺术之父”。康定斯基从小学习钢琴和大提琴，具有联觉（知觉混合）的能力，可以十分清晰地“听见”色彩，这一能力对他的艺术创作产生了主要影响。同时，他天生对色彩有着敏锐的感知力和强大的记忆力，早期受印象派莫奈等画家的影响，而后放弃了对具象现实的表现，开始用抽象的形式展现“事物的内在”。繁复的几何形状、华丽躁动的色彩、交错碰撞的线条……这些看似杂乱却富有诗意的要素构成了康定斯基式的抽象艺术，也对20世纪的现代主义艺术产生了深远的影响。

※虚拟展厅※ 为每位画家模拟一座专属美术馆 精心划分各大主题展厅 近距离欣赏画家六十余幅代表作 ※高清细节※ 欧洲知名媒体GEO艺术与《世界报》联合出品 全球各大美术馆供图 逼近原作的细节呈现 ※随画解读※ 资深艺术学者撰写画作介绍 如同参观美术馆时的贴心讲解 ※画家年表※ 随书附带画家生平履历 了解艺术大师创作历程 ※收藏分布※ 散落各地的原作分布详表 指引你探寻真迹之路

从童年时代开始，康定斯基就本能地被世界上的缤纷色彩所吸引。1913 年，他在《回望过去》（Regards sur le Passé）一书中提到：“最初给我留下深刻印象的颜色是生机勃勃的浅绿色，以及白色、胭脂红、黑色和黄赭石色。这些记忆可以追溯到我三岁的时候。我虽然在不同的客观物象上看到了这些颜色，却无法清楚地想起颜色本身了。”尽管非常年幼，这位未来的艺术家却认为，颜色就如同结构要素一样，必须在视线中牢牢捕捉住。

西尔维·吉拉尔-拉戈斯，法国艺术学者，GEO合作作者。出版过若干艺术类和生活类图书，如《拉斐尔：柔美与和谐》《克里姆特：变形的真实》《莫奈：光的印象》等。 译者李嫒，2014年毕业于外交学院，获硕士学位，法语一级笔译，英语三级笔译。爱好文学翻译，常驻过亚非欧多个国家，长期从事各种翻译工作，翻译出版《莫奈的珍宝》等著作。 译者杨恩毅，外交学院法语专业硕士毕业，曾任职于中国国家图书馆外文采编部，现就任于中国驻法国?使馆文化处，译著有《莫奈的珍宝》（中国法制出版社，2020年）、《战略情报的批判性思维》（金城出版社，2016年）等。

07 展厅A 所见之物与印象 康定斯基从年少时就认为，色彩是所见之物的构成要素，必须要将其捕捉住。 29 展厅B 赋格与即兴 从1909年开始，康定斯基在给画作命名时，都体现出他对音乐的热爱，以及音乐与绘画之间的联系。 57 展厅C 几何形状 逐步舍弃客观物象，是康定斯基作品的基本表达方式：当画作的空间变成平面时，占据主导地位的只有几何形状。 85 展厅D 生物形态 在创作的最后阶段，康定斯基的作品呈现出一种全新而自由的绘画风格，营造出一种诗意的氛围。 108 画家年表 110 收藏分布

创作一幅作品，就是创造整个世界。 ——康定斯基 “彩色画” 尽管康定斯基早期的大部分彩色画是在巴黎或慕尼黑画的，但对于这位艺术家而言，它们代表的其实是他心中的“精神之都”。康定斯基从来没有忘记俄国的风俗、传奇故事、传统绘画，以及故乡的绚丽色彩，并将其融入自己的创作中。这些带着浓郁思乡情愫的作品，展示了古老俄国的遥远过往。在晦暗的底色上，艺术家用强烈又艳丽的斑点处理形形色色的人物。在本页画幅中，伏尔加河上的船夫出现在虚构的龙头船上，斜向和垂直的线条则构成了富有韵律感的彩色结构。就像儿童画册中的图片一样，这些颜色极其纯粹，毫不混杂。关于《伏尔加河之歌》这幅作品，康定斯基在1914年说道：“主要的挑战在于重构面、点、线之间的无序。我利用了俯瞰的视角来叠加这些人物。为了按照自己的想法协调点的布局和线的使用，我每次都不得不以视角和方位为托词。” 《伏尔加河之歌》 1906 年 纸板蛋彩画 高：49 厘米 宽：66 厘米 巴黎 蓬皮杜艺术中心 国立现代艺术博物馆 《多彩的生活》 1907 年 布面蛋彩和水粉画 高：130 厘米 宽：162.5 厘米 慕尼黑 伦巴赫美术馆 —————————————————————————————————— 灵魂的颤抖 康定斯基在1911年出版的《艺术中的精神》中这样写道：“一般说来，色彩直接地影响着精神。色彩好比琴键，眼睛好比音槌，心灵仿佛是绷满弦的钢琴。”他认为，判断一幅作品是好是坏，最好采用一种内在的视角：“艺术家应该有话要说，因为他的任务不是掌控形态，而是用形态服务于内容。”另外，颜色可以产生双重效果，既是感官上的，也是“心灵”上的，像是一种“灵魂的颤抖”。 在《红墙命运》中，这种双重效果更充满了对形象艺术的模糊追忆（俄国版画）。矗立的红墙产生出巨大能量，与明亮的笔触相辅相成。（那座有着球形钟楼的建筑，是克里姆林宫吗？）在《船》这幅作品里，航行在穆尔瑙教堂脚下的船只有着曲线形的白色船身，红色的船桨在黑色的底色上划动，动感十足，增强了画面的戏剧效果。画面中部，两条短小的白色横带与画面顶部边缘的主线相呼应。 《船》 1910 年 布面油彩画 高：98 厘米 宽：105 厘米 莫斯科 特列季亚科夫画廊 《红墙命运》 1909 年 布面油彩画 阿斯特拉罕 库斯托季耶夫美术馆 —————————————————————————————————— 风格与技巧 纯粹的韵律感 长期以来，这幅画都被看作绘画史上的第一幅抽象作品，因为康定斯基签名的时间是1910年，并且画的背面写有“抽象水彩画”字样。但是，这幅作品更可能是1913年布面油彩画《构图Ⅶ》的草图。这是一幅水彩画，中间夹杂着一些黑色的钢笔线条，将素描和色彩分离开来。这些线条并没有画出真正的轮廓，从而让各种形状有了强烈的韵律感。色点飘浮在界限不明的画面中，巧妙地组织在一起，但并不是按照画家个人回忆中的影像所构建的。在这里，线条和形状仿佛发出了响亮的声音，红色、绿色和蓝色代表着不同的声调，二元对立的颜色让人联想到天（蓝）与地（红和绿）、理性与感性。盘旋的韵律由各种形状之间的相互关系产生。康定斯基认为，绘画表达的内容必须是“抽象的”，即每幅画中看不见的东西。通过颜色和形状，艺术家便能揭示隐藏在事实背后的真理，而这个真理往往与现实相去甚远。 《无题》（第一幅抽象画《构图VII》的习作） 1910 年 铅笔画、水彩画与中国国画 高：49.6 厘米 宽：64.8 厘米 巴黎 蓬皮杜艺术中心 国立现代艺术博物馆 —————————————————————————————————— 灵感与影响 “经典现代性”之父 从进入慕尼黑美术学院开始，保罗·克利和康定斯基就相识了，但是这时他们只是认识而已，并没有真正相互了解。两位画家真正熟悉彼此是在“青骑士”时期，后来他们又在包豪斯成为同事。他们作品里的很多主题都表现出巧妙的一致性，例如寻找绘画与音乐的联系、对理论的爱好、赋予形状与颜色的象征意义、动感的呈现等。来自俄国的康定斯基视角通常更宽广，他的抽象构图就像华美的乐章，极其精妙地在融合与式微中交替着。 保罗·克利更多地被内部精巧的形状所吸引，他喜欢小型物体，善用对比，在绘画中体现出前所未有的创造力和对色彩的热爱。对克利来说，“平衡”是支配他的艺术和生活的原则。这一理念的宗旨，是要挖掘一个可变状态中所蕴含的创造潜力。而对于康定斯基来说，张力是他创作思想的核心，他的许多作品是基于不同事物之间的冲突创作的。在后来的德绍包豪斯艺术学院，克利和康定斯基越走越近。克利的作品表现出几何化的趋势，而康定斯基强硬的造型语言则变得更灵活。在克利那里，描述性元素渐渐消失，而康定斯基的画中却出现了越来越多的象征符号。 《朝三暮四》 1931 年 木板油彩画 高：49 厘米 宽：70.5 厘米 私人收藏 保罗·克利 《红气球》 1922 年 平纹木板油彩画 高：31.7 厘米 宽：31.1 厘米 纽约 古根海姆美术馆 1425—1432年 木板油彩画 高：375厘米 宽：260厘米 根特 圣巴夫大教堂 —————————————————————————————————— 局部细节详解 精妙的典范 画家将场景巧妙地布置于室内，用外露的横梁支撑起低矮的天花板，并让观者视线深入房间，透过精雕细琢的拱窗看到一片典型的佛兰德斯城市风光。美艳绝伦的天使来到这里，向圣母玛利亚宣告上帝的旨意。二者分列左右，遥相呼应。 天使的长袍垂落在石板地面上，堆出华丽的褶纹，但造型简洁质朴，如同用超自然的材料雕刻而成；白袍由一枚圆形胸针别合，上面镶嵌着珍珠，与天使额前佩戴的发带上的装饰相得益彰。天使手中的一枝百合花茎杆纤长，四朵百合绽放枝头，这种如同进行植物学研究般的精确描摹，让这束象征贞洁的百合花散发出自然主义气息。天使的双翼在身后展开，羽毛的色泽由绿色渐变为红色，色彩过渡精妙，展现着色调的细微变化。在金色秀发与微笑侧颜的衬托下，这位天使的形象与那些咏唱或奏乐的天使极为相似，右手的动作则展现出艺术家精湛的手部刻画技艺。上述细节将这位天使塑造成一个精妙的典范，同时赋予了天使巨大的身形，仿佛这间居室过于狭小，无法容下天使呈禀的上帝的旨意。 《大天使加百利》 1425—1432年 木板油彩画 根特 圣巴夫大教堂 —————————————————————————————————— 一幅传世佳作 这名男子向左侧身约45°，露出侧脸，造型新颖独特。他的眼睛紧盯观者，神态镇定自若。虽然没有详细资料佐证，但此画常被视作艺术家的自画像。从面部的皱纹、肌肤的纹理、颏下的胡楂和眼角的血丝来看，该男子的容貌未经一丝美化。尽管他出现在色调均匀的黑色背景上，但其头上缠绕的红头巾十分鲜亮，并呈现出复杂繁冗的纹路和结点，占据了三分之一的画面空间，更突显了人物形象，吸引了观者的眼球。虽然被称为“头巾”，但它其实类似一种典型的佛兰德斯风格的男士帽子——兜帽。这是抵御风寒时必不可少的物件，而毛皮领外套亦非夏季着装。男子目光敏锐，嘴唇紧闭，容貌逼真，好似精雕细琢的一般。上述细节成就了扬·凡·艾克的这幅传世之作：相比于戏剧性画面，此作天然去雕饰的朴质风格更显隽永。 《包着红头巾的男子》 1433年 木板油彩画 高：26厘米 宽：19厘米 伦敦 英国国家美术馆 —————————————————————————————————— 不可思议的微观世界 闻名于世的《阿尔诺芬尼夫妇肖像》是西方绘画史上首幅在室内取景的世俗画。相比于其他同行，北方艺术家们尤为偏爱室内题材；同时，这幅画也是双人全身肖像中的典范。凡·艾克在创作木板油彩画时力求完美，他以绿色、红色和棕色为主色，展现出舒适安逸、精心布置的室内场景，并用地板的木板条和地毯营造出画面的景深。画中的男子是一位富有的商人，他正向年轻的新娘宣读结婚誓言。新娘身上的长袍呈现出上身扁平、腰部隆起的造型，这是那个时代的时髦款式，所以她并非怀有身孕；长袍的颜色（绿色）则象征着生育。画家以精湛技艺还原了两人身上皮毛镶边的奢华衣裳，以及具有象征意义的室内细节——除了象征忠贞的小狗，他还精心绘入了在布鲁日泥泞街道上要穿的木底鞋。 日光透过左侧窗户洒在画面中央两人轻握的双手上，正上方是富丽堂皇的铜吊灯，背景墙壁上挂着一面凸镜。镜面不仅照出了夫妇二人的背影，还映出了另外两人的身影，画家大概就身列其间。此外，从镜子里能看到天空和户外花园。彼时，艺术家们一般遵循传统，会将自己的名字签在画作不起眼的左（或右）下角处，但在这幅画里，凡·艾克反其道而行之，他在画面正中央以华丽字体留下了自己的名字（这在当时实属罕见）。“Johannes de Eyck fuit hic”（意为“扬·凡·艾克在此”）这行字清晰可辨，就像是他作为婚礼的来宾或同行者的见证。这是一幅美学和世俗融合的典范之作。 《阿尔诺芬尼夫妇肖像》 1434年 木板油彩画 高：82.2厘米 宽：60厘米 伦敦 英国国家美术馆 —————————————————————————————————— 风格与技巧 精湛技艺 右页画幅的主人公是莫伦拜克斯的领主博杜安·德·拉努瓦（绰号“口吃者”）。与扬·凡·艾克创作的其他肖像画一样，艺术家以巧夺天工的技艺捕捉到了画中人的神态和不一样的眼神：虽然他的目光没有停留在观者身上，但也没有迷失或内省。相反，他的视线略微向上，仿佛透露着威严，甚至像在发号施令。这位佛兰德斯的政治人物身兼多职，他不仅是里尔的地方长官，还是菲利普三世（人称“好人菲利普”）的使臣。他请凡·艾克（当时画家也在为勃艮第公爵效力）创作这幅肖像画，以纪念自己被授予金羊毛勋章（1430年1月10日）。他的服装十分奢华，上绣金色橡树叶和凤尾草花纹，衣领和袖口以皮草镶边，并配以颈饰。在幽暗的背景中，锦衣华服十分突出，而黑色大盖帽（与第46页乔凡尼·阿尔诺芬尼的帽子如出一辙）则若隐若现。 艺术家试图将观者的注意力集中在博杜安·德·拉努瓦的脸上，但是坦白而言，画中人的容貌不太讨人喜欢。尽管画家耗费了极大的心力来刻画栩栩如生的细节，但从未对其进行任何美化或理想化的塑造。他右手紧握长棍，小指上佩戴着金戒指，这些细节恰到好处地彰显了人物的尊贵身份。 《博杜安·德·拉努瓦肖像》 约1435年 木板油彩画 高：26厘米 宽：19.5厘米 柏林 柏林画廊